Announcing 38 Award-Winning Black & White Photographers!
“ De inzendingen voor de LensCulture Black & White Photography Awards van dit jaar bewezen dat zwart-witfotografie een relevant, krachtig en levendig medium voor expressie blijft in 2023. Ik was enorm onder de indruk van de hoge kwaliteit in het algemeen, de grote verscheidenheid aan onderwerpen en benaderingen, en het expressieve bereik dat werd overgebracht in zwart, wit en grijstinten. ”
picks
There is a sense of mystery within these images that is created both by the scale and the limited context within the landscape. They are full of texture but devoid of color, leaving a great sense of unknown. The images in Caldera by Andrei Bortnikau pique my curiosity. There is certainly an implied narrative within each image as told by the photographer, and for me, it seems that each narrative takes further shape in what the viewer brings to it. The images might evoke a nostalgic memory or tell a new story to each person who encounters them.
In the realm of contemporary art, Jennifer Baron’s Frozen August stands out as a profound exploration of grief, a theme that is both deeply personal and universally resonant. This project gains its importance from its ability to articulate the ineffable aspects of human experience, notably the complex process of mourning. By channeling her bereavement into a visual form, Baron not only navigates her own path through sorrow but also extends a hand to those grappling with their own losses.
The societal value of such work lies in its capacity to foster empathy and communal healing. Art has long been a medium for processing collective grief—public memorials and war photography are testament to this—and Frozen August contributes to this tradition by providing a space for shared emotional experiences. Baron’s choice of combining various media, such as photography and sketches, allows for a multifaceted dialogue between the work and its audience, enabling a cathartic interaction that transcends the limitations of verbal communication.
Baron’s work captures the beauty inherent in the human condition, even at its most vulnerable. The stark contrasts of light and shadow in her images mirror the oscillating states of hope and despair that characterize mourning. The intimacy of the project is further heightened by its autobiographical nature, as it invites viewers into the artist’s inner sanctum, laying bare the scars of her heartache.
Historically, the project echoes the sentimentality and raw emotion found in the early 20th-century pictorialist photography, where the likes of Julia Margaret Cameron and Edward Steichen used soft focus and creative printing techniques to evoke mood and feeling. Like these pioneers, Baron employs abstraction and intimate detail to convey complex emotional states. While the visual style is distinct, her work also resonates with the contemporary candid and intimate narratives found in the photography of Sally Mann and Nan Goldin, who document their private lives to powerful, sometimes controversial effect.
Frozen August is a testament to the enduring power of art to articulate the depths of human emotion, commemorate our losses, and aid us in a journey towards acceptance and peace. The project is an important cultural artifact, not just because of its aesthetic quality but also because it invites us to connect more deeply to our own humanity.
I picked Russell Monk's work as my juror's pick because the images are evocative, mysterious, and surprising. The formality and careful composition in each frame blurs the line between documentary and fine art and makes me think of how many stories and myths are layered into each image.
The photographs of Igor Malijevský give me pause, and makes me stop to look a bit more carefully at how the war in Ukraine is disrupting everyday life for ordinary people in countless ways. It’s not sensational, it’s not shocking, but it’s real. It takes hold of the qualities that only black-and-white can give you, and it presents this view of people who quietly persevere and carry on in the face of adversity. In our age of always-on media, and the immediacy of smartphone reporting, these traditional images break through the clutter and remind us of the continuous, endless sacrifices required to get through day after day in Ukraine.
Serinah Williams’ work is a captivating exercise that seeks to reveals the effects of truth, power and rights. The works raise important questions about the often-silenced histories of communities like Williams’. What histories are lost? What geographies are changed? For me, this series confronts the continued repercussions of the legacies of colonial violences that still prevail and unfold today.
Imagination that springs out of the ordinary and mundane attracts me. In this series The Peak by Jingyu Wu this can be read as a goal. The images explore mankind’s omnipresent challenge to close the gap between man and nature. Aside from my own reading, the formal approach is unassuming, and the black and white images effectively present Jingyu’s ideas and observations about the nature that exists right in front of his eyes.
Form and content are inextricably intertwined in Nicola Ókin Frioli’s powerful photographs of the struggle of indigenous Amazonians in Ecuador to protect their land, water, and way of life from further destruction by extractive industries. Each exquisitely structured composition, each choice of warm or cool black-and-white tonalities, conveys an emotional aspect of the narrative: conflict, curiosity, play, pollution, despair, pride, and tenderness. Frioli’s nuanced telling of this story conveys the complexity of these indigenous cultures, which needed to blend aspects of modernity into their traditional ways of life in order to survive.
“ Ik heb genoten van het bekijken van de reeks zwart-witfoto's die tegenwoordig worden gemaakt. Over het algemeen was het kaliber van de ingezonden foto's hoog; ze boden momenten om te focussen, te pauzeren en na te denken over de nuances die we elke dag om ons heen zien ontvouwen. ”
Onze Internationale Jury
Bindi Vora is een interdisciplinair fotografisch kunstenaar van Keniaans-Indiase afkomst, Associate Lecturer aan het London College of Communication en Curator bij Autograph, een in Londen gevestigde non-profit kunstorganisatie die kwesties van identiteit, representatie, mensenrechten en sociale rechtvaardigheid onderzoekt door middel van fotografie. Sinds haar toetreding tot Autograph heeft ze Hélène Amouzou: Voyages (2023) Eric Gyamfi: Fixing Shadows – Julius and I (2023), Poulomi Basu: Fireflies (2022) gecureerd, mede-gecureerd Sasha Huber: You Name It (2022) Care I Contagion I Community – Self & Other (2021-2022); Lola Flash: [sur]passing en Maxine Walker: Untitled (beide 2019); een reeks kunstenaarsgesprekken gepubliceerd met Sasha Huber, Mónica Alcázar-Duarte, Maryam Wahid, Tobi Alexandra Falade, David Uzochukwu onder anderen. Ze heeft onafhankelijk Poulomi Basu: Centralia gecureerd voor Rencontres d’Arles – Louis Roederer Discovery Award (2020); Let’s Go Through This Again (2018); haar schrijven is verschenen in publicaties van Maryam Wahid Zaibuinnisa (MAC, 2022); Another Country: British Documentary Photography Since 1945 (Thames & Hudson); FOAM en British Journal of Photography, en ze heeft deelgenomen aan openbare programma's voor Tate, GRAIN Photo Hub, The Photographers’ Gallery, The Paul Mellon Centre onder anderen. Ze is momenteel artist-in-residence bij de National Museums NI (Ulster Museum) als onderdeel van het 20/20 project, geleid door het UAL Decolonising Arts Institute.
Aya Musa is een curator bij FOAM, het prominente fotografiemuseum in Nederland. Musa ontwikkelt tentoonstellingen bij FOAM die een verdiepende en innovatieve interpretatie van de artistieke identiteit van het museum bieden. Voordat hij dit deed, was Musa curator en hoofdprogrammeur bij het Nederlands Fotomuseum. In zijn werk combineert Musa sociale ontwikkelingen met nieuwe tentoonstellingsvormen; waar fotografie niet ondergeschikt is aan de context waaruit het voortkomt, maar tegelijkertijd nooit het zicht op deze context verliest. Op deze manier geeft hij fotografie een podium dat verder gaat dan bestaande clichés.
Caroline Wall is de directeur van de Robert Mann Gallery. Ze studeerde af aan de McGill University met een diploma in Kunstgeschiedenis en begon haar carrière in de kunstwereld bij de O’Hara Gallery voordat ze in 2006 toetrad tot het team van de Robert Mann Gallery. De Robert Mann Gallery presenteert verschillende opkomende kunstenaars naast een indrukwekkende lijst van internationale supersterren.
Met de galerie heeft Caroline deelgenomen aan vele nationale en internationale kunstbeurzen en werkt ze met talrijke hedendaagse fotografen en nalatenschappen aan het organiseren van zowel solo- als samengestelde groepstentoonstellingen. Caroline is lid van de Raad van Bestuur van AIPAD.
Danielle A. Scruggs is een foto-editor bij The Wall Street Journals en een freelance fotograaf en schrijver woonachtig in Chicago, Illinois. Ze studeerde af aan de Howard University met een diploma in journalistiek en aan het Maryland Institute College of Art met een Master in Digitale Kunst. Haar fotografieklanten zijn onder andere de New York Times, AARP, Buzzfeed News, ESPN, Financial Times en de New Republic. Ze heeft geschreven over kunst, cultuur en film voor RogerEbert.com, Ebony, Essence, Teen Vogue, Artsy Magazine en andere publicaties. Scruggs is ook de oprichter en redacteur van Black Women Directors, een digitale bibliotheek die het werk van zwarte vrouwen en non-binaire filmmakers uit de hele Diaspora belicht.
Barbara Tannenbaum heeft in haar vier decennia durende carrière als curator en academicus ruim 100 tentoonstellingen georganiseerd. Van 1985 tot 2011 was ze hoofdcurator bij het Akron Art Museum, waar ze de fotocollectie uitbreidde van 500 tot 2.500 werken. Ze heeft talloze publicaties geschreven, waaronder boeken over TR Ericsson, Ralph Eugene Meatyard en print-on-demand fotoboeken, en heeft lezingen gegeven in de hele VS en in Canada, Brazilië en China. Als curator van fotografie bij The Cleveland Museum of Art, hebben Barbara's recente en toekomstige shows zich gericht op 19e en 20e eeuwse kunstenaars, waaronder Raja Deen Dayal, Amerikaanse Pictorialist-fotografen, Ilse Bing, Lois Conner, Aaron Rothman, Tyler Mitchell, Matt Eich, Barbara Bosworth en Ann Hamilton.
Na zes jaar ervaring in museumbeheer besloot Gwen Lee haar eerste liefde voor fotografie na te jagen en richtte het Singapore International Photography Festival (SIPF) op, het langstlopende fotografie festival in Zuidoost-Azië. In 2014 bouwden Lee en haar team DECK, een kunstcentrum gewijd aan fotografie om het hele jaar door programma's voor de gemeenschap en residentieprogramma's voor fotografen te bieden. Lee heeft meer dan 60 fotografie tentoonstellingen in Singapore en in het buitenland gecureerd. Naast vele andere prijzen en onderscheidingen, ontving Lee in 2022 de titel Chevalier, Ordre des Arts et des Lettres, toegekend door het Ministerie van Cultuur, Frankrijk.
Jim Casper is de hoofdredacteur van LensCulture, een van de toonaangevende online bestemmingen om hedendaagse fotografie van over de hele wereld te ontdekken. Als actief lid van de hedendaagse fotografiewereld organiseert Casper jaarlijkse internationale fotografie-evenementen, reist hij de wereld rond om fotografen te ontmoeten en hun portfolio's te beoordelen, cureert hij kunsttentoonstellingen, schrijft hij over fotografie en cultuur, geeft hij lezingen, leidt hij workshops, dient hij als internationale jurylid en nominator voor belangrijke prijzen, en is hij adviseur voor kunst- en onderwijsorganisaties.