Announcing 38 Award-Winning Black & White Photographers!
I was deeply impressed by the emotional depth and technical mastery displayed across the board. From intimate personal stories to bold, conceptual work, the photographers demonstrated the powerful ability of monochrome to evoke timeless narratives. It was inspiring to see how each artist used the medium to explore complex themes and bring unique perspectives to life. ”
picks
Luiza Kons’ photographs are full of personality, intimacy, humor, and carefree, tender moments. With a snapshot aesthetic, the work comes across as fresh, casual, and real. Kons combines photos that are not bounded by linear storytelling logic, nor are they limited to a specific style of imagery. In fact, it is this jumble of artistic approaches that makes the work feel very real and un-self-conscious. The group of pictures creates a mood and sensibility that feels intimate, random, impromptu and authentic.
In her statement about the project, Kons writes: “The outcome is a chaotic universe bound by strangeness, mistakes, imperfections. In a journey to invent life on our own terms.” Bravo!
Drew Waters' garden is a cultural stage, a theatre where the vices and whims of the bourgeoisie are staged.
A place that narrates the inhabitants of the house and their imagery, the choice of using flash shifts the narrative to a surreal level that allows the viewer to enter deeply into the world of the photographer.
Astrid Verhoef's 'Human/Nature' series is bold and striking, yet lures you in with a sense of curiosity. An anonymous figure (of the artist herself) faces out into a constructed geometric landscape, drawing us towards her own perspective. This gives a sense of who Astrid is as an artist. Working independently, and at scale, to create meticulous still life setups (this is done without AI generated imagery - only basic montages were used when needed), she has balanced each element serenely to create a surreal sense of beauty.
Sangjin Kim is my Juror's pick for his powerful, intimate portrayal of Korean life in Los Angeles. His work offers a nuanced exploration of the complexities of race relations and the struggles of fitting in, while also revealing the communities' internal politics. Kim captures both the beauty and tension of cultural identity in a way that is deeply personal and universally resonant.
Two men. A hand on a shoulder. A gesture.
I feel the touch. I know what it is like when someone else put their hand on my shoulder. Everything in this image floats together in shapes and textures that fit so well. This is two wrestlers? I am surprised. Puzzled. How can a touch from a wrestler be that gentle? This is how I would touch my loved one.
Tell him that I am taking care of him no matter what. This is the image that touched me the most, this is the image that started as a knot in my stomach and finally made me shiver.
Photographers use AI tools for different purposes: idea generators, hybrid incubators, and simple editors. Norberto Pezzotta studies and questions the tool itself and how it shapes our beliefs and ideals. Augmented Reality puts AI, beauty, and humanness under the microscope, highlighting the importance of working outside the tool to maintain our integrity, authenticity, and diversity. In Pezzota’s laboratory-like settings, an experiment is underway that brings together the ever-sharp AI-generated creations, masking the softer presence of the human form, often dissolving, becoming a distant memory. Who makes up the algorithmic ideals that we prescribe to? This work asks us to step back, see the many possibilities of what we find beautiful, and question why.
Richard Cannon’s work effectively merges the personal memories of D-Day veterans with historical context, creating a powerful and moving piece. By overlaying their present-day portraits with archival images from their past experiences, the work transcends time and conveys a universal message. The contrast between the intensity of war and the peaceful demeanor of the veterans today creates a visually striking impact.
Moreover, the use of black-and-white photography plays an essential role in seamlessly connecting the past and present, highlighting the gravity of history while adding an emotional depth to the piece. The monochrome palette eliminates distractions and focuses the viewer's attention on the subject's story, enhancing the overall experience.
The Black & White Photography Awards 2024 reminded me of my first love for photography in my high school darkroom, where my teacher let me in early to start processing—a passion that carried me through college. The range of submissions this year was both inspiring and challenging to evaluate, as making selections can feel deeply personal. I aimed to choose work that invites introspection from a wide range of viewers, highlighting the power of monochrome to distill moments into their purest forms. ”
Our International Jury
Michael Foley a ouvert sa galerie éponyme à l'automne 2004 après quatorze ans de travail avec des galeries de photographie notables, y compris Fraenkel Gallery, Howard Greenberg Gallery, et Yancey Richardson Gallery.
En 2002, Foley a poursuivi son intérêt pour l'éducation et le travail avec les artistes en rejoignant la faculté de la School of Visual Arts, Fashion Institute of Technology, et International Center of Photography, où il enseigne et donne des conférences sur les questions de photographie contemporaine aux niveaux undergraduate et graduate.
Il a rejoint Leica en 2023 en tant que directeur de galerie du New York Meatpacking Store & Gallery.
Foley vit à Manhattan avec sa femme, Maya, et son fils, Jack.
Mee-Lai Stone est éditrice photo, Culture pour The Guardian. Elle fait partie de l'équipe internationale qui sélectionne et produit quotidiennement des galeries de photos en ligne, des essais, des articles et des images uniques à partager avec le public mondial de lecteurs de The Guardian.
Jacob Aue Sobol est un photographe primé et membre de Magnum Photos. Il a publié plusieurs monographies de son style unique et expressif de photographie en noir et blanc et a exposé son travail largement. Ses images se concentrent sur l'universalité de l'émotion humaine et la recherche de l'amour dans des environnements souvent difficiles.
Né à Copenhague, Danemark en 1976, il a vécu au Canada, au Groenland et à Tokyo, avant de retourner au Danemark en 2008. Il a beaucoup voyagé depuis, photographiant en Sibérie, en Thaïlande, en Mongolie, en Amérique et en Chine tout en restant basé à Copenhague.
Son livre "I, Tokyo" a reçu le Leica European Publishers Award en 2008. En 2012, il a commencé à photographier le long du chemin de fer transsibérien et a passé les cinq hivers suivants à photographier dans la province reculée de Yakoutie en Russie pour son projet "Road of Bones". Il a des projets en cours au Danemark ("Home") et aux États-Unis ("America").
Né à Cortona en 1981, après des années passées à prendre des photographies, Antonio a décidé de transformer un rêve en un projet réel ; et ainsi, en 2011, Cortona On The Move est né, un festival international de photographie et de narration visuelle créé avec un groupe d'amis. En dix ans, Cortona On The Move est devenu l'un des festivals de photographie les plus importants d'Europe. Antonio est actuellement directeur adjoint aux Gallerie d'Italia à Turin, situées Piazza San Carlo : le quatrième musée d'Intesa Sanpaolo aux côtés de ceux de Milan, Naples et Vicence. Un espace d'exposition dédié à la photographie couvrant 9 000 m2 dans le Palazzo Turinetti, en plein cœur de Turin.
Kris Graves est un artiste et éditeur basé à New York et en Californie. Il est le fondateur de MONOLITH EDITIONS, une maison d'édition appartenant à des Noirs et dédiée à la mise en valeur des œuvres d'artistes de couleur à travers des médiums qui abordent des questions de race, d'identité, d'équité, de genre, de sexualité et de classe.
Dans sa propre photographie, il utilise un mélange de pratiques conceptuelles et documentaires pour explorer les subtilités du pouvoir sociétal et du capitalisme, entre autres sujets importants.
Graves siège également au conseil d'administration de Blue Sky Gallery: Oregon Center for the Photographic Arts, Portland; et de The Architectural League of New York en tant que Vice-président de la photographie.
Yumi Goto, une commissaire indépendante basée au Japon, se spécialise dans la production complète, la curation, l'édition photo, l'édition, la recherche, le conseil, l'éducation et le développement de talents liés à la photographie. Ses principaux intérêts portent sur les conflits, les questions sociales contemporaines, les violations des droits de l'homme et les questions féminines. Yumi a participé à des campagnes photographiques et à des publications pour des organisations humanitaires et de défense des droits de l'homme, ainsi qu'à des jurys, des nominations, de la curation et de la production pour des prix internationaux de photographie, des festivals et des événements. Elle est également co-fondatrice et commissaire de "Reminders Photography Stronghold" (RPS), facilitant des activités polyvalentes liées à la photographie. De plus, elle a créé le "RPS KYOTO PAPEROLES" en 2020 et y est activement impliquée depuis lors.
Jim Casper is the editor-in-chief of LensCulture, one of the leading online destinations to discover new contemporary photography from around the world. As an active member in the contemporary photography world, Casper loves to meet with photographers and talk about photography. He curates art exhibitions, publishes books, conducts workshops, serves as an international juror, nominates photographers for key awards, and is an advisor to arts and education organizations.